Spielzeit 22/23: RADIKALITÄT UND SANFTHEIT

Dora, Großstädterin und Geschichtenerfinderin in einer Berliner PR-Agentur ist mit Robert zusammen, der sich im Laufe der Pandemie als fundamentalistischer Kämpfer, gleichermaßen gegen den Klimawandel als auch gegen das Virus, entpuppt. Dora wird es zu eng in ihrer gemeinsamen Wohnung und so flieht sie zusammen mit ihrem Hund Jochen nach Bracken, einem Dorf in Brandenburg. Zwischen Saatkartoffeln und Homeoffice lernt sie ihren Nachbarn Gote kennen, der sich selbst als Dorfnazi vorstellt und nicht nur ein Menschenleben auf dem Gewissen hat. Trotzdem entsteht eine Freundschaft zwischen Dora und Gote über alle ideologischen Gräben und Vorurteile hinweg.

Geht das? Darf man das? Oder muss man sogar mit „Rechten reden“? Wo verläuft die Grenze zwischen nachbarschaftlichem Arrangement und gefährlicher Liebschaft? Zwischen Toleranz und Verharmlosung? Und warum lässt Dora sich eigentlich auf Gote ein?

Juli Zeh, Bestsellerautorin und ehrenamtliche Richterin am Verfassungsgericht in Brandenburg, lebt selbst in einem Dorf und weiß um die Konfliktlinien, die sich auftun ebenso, wie um diejenigen, die verschwinden, wenn man die „Anderen“nicht mehr nur aus der Ferne beurteilt, sondern mit ihnen in nächster Nähe zusammenlebt. Nach „UnterLeuten“ hat sie mit „Über Menschen“ einen Roman geschrieben, der unsere direkte, pandemie- und krisengeschüttelte Gegenwart daraufhin ausleuchtet, wie sich Klassismus und Rassismus zu ...

... einem bedenklichen Gemisch vereinigen, das längst die sogenannte „Mitte der Gesellschaft“ erreicht hat.

Auf erfrischend provokative Weise fordert „Über Menschen“ dazu heraus, die eigenen ideologischen Wohlfühlzonen zu hinterfragen und darüber nachzudenken, wie sich der zwischenmenschliche Faden vielleicht wieder aufnehmen lässt, um ein Netz damit zu stricken, das die Vielen hält, auch unfeine Unterschiede aushält und die, die es brauchen, auffängt. Denn, wie es die Autorin schreibt: „Mit ein paar Leuten ist alles leicht. Das ist es, was ihr vergessen habt.“

In der Regie von Ulrich Greb lotet das Ensemble des Schlosstheaters die Grenzen des Sagbaren und Machbaren aus, balanciert auf ihnen und kippt sie ins Menschliche.

Die Zuschauer sitzen an zwei Seiten um die Spielfläche, auf der sechs Tische zusammen geschoben sind. Um die herum wirbeln die fünf Akteure, die das Team einer Werbeagentur darstellen, das für eine neue Öko-Jeans werben soll und mit einem fiktiven brandenburgischen Dorf spielt und mit dem Markennamen „Gutmensch!“ Stetes Mitdenken ist gefordert. Ein 90-Minüter mit pausenlosem Textfluss und eingestreuten Actionszenen, in denen vom Sitzhocker-Rennen rings um den Agenturtisch bis hin zum Einsatz von Theaterblut und vor allem schwarzer Farbe viele Register gezogen werden für einen fordernden Theaterabend.
(Stephan Hermsen, NRZ)

Der Einsatz von Multimedia, im Theater nicht neu, aber hier auf die Spitze getrieben. Die Akteure filmen, montieren und schneiden die Filmhandlung direkt live auf der Bühne. Aufwendig mit Animation, Modellen und Mehrfachbelichtung. Haltung zeigen und gleichzeitig offen bleiben für Gespräche. Wie umgehen mit Grenzüberschreitungen der Rechten? Gewalt gegen Andersdenkende lässt sich nicht einfach mit Nachbarschaftsgesprächen am Gartenzaun weglächeln.
(Christof Boy, WDR Westart)

Wie in einer überdrehten Leseprobe nimmt das Schlosstheater den Romantext, wirft sich die Sätze zu und schnappt Wörter auf, die geeignet erscheinen, die Bilder eines Werbespots für „Bracken, Brandenburg“ zu unterlegen. Auf den Zeichentischen in der Bühnenmitte werden dabei die Bilder des Clips gebaut und an die Schlosswände geworfen. Es ist schon atemberaubend, was die redenden, spielenden, drehstuhlscatenden und sich dabei filmenden fünf Darsteller alles leisten, dreimal so groß ist das Team hinter den Kulissen.
(Thomas Warnecke, Extratipp am Sonntag)

„Ich zerlege alles, auch meine Großmutter“, sagt Zarah Chi Chi und übertreibt damit keineswegs. In Rosa von Praunheims „Zwei Fleischfachverkäuferinnen“ kommt alles in die Wurst, außer Räuber und Wölfe. Denn sonst ginge es den beiden Fleischfachverkäuferinnen Karina und Zarah Chi Chi ja selbst an den Kragen…
Seit 10 Jahren betreiben K und Z ein Fleischereifachgeschäft, führen eine Hassliebesbeziehung, in der die Erotik durch Streit und Konflikt am Leben gehalten wird und gehen ansonsten den verschiedensten Betätigungen nach. Zum Beispiel Banküberfällen, Südseereisen und dem Operettenspiel. Doch immer, wenn die mysteriöse Frau Müller in ihren mannigfachen Kostümen zur Tür hereinkommt, gerät ihr ungeordnet-geordnetes Leben aus den Fugen…
Zwischen Varieté und Groteske changierend schreibt Rosa von Praunheim mit „Zwei Fleischfachverkäuferinnen“ ein unterhaltsames Musiktheaterstück, das vor Anarchie und absurd-deftigem Humor strotzt. Doch unter der blutig-fröhlichen Oberfläche verbergen sich durchaus auch ernsthafte Themen wie das Machtverhältnis zwischen Mensch und Tier, Mensch und Mensch und die Arbeits- und Konsumverhältnisse zwischen Schlachthof und Supermarkt. Denn ist es nicht in Wahrheit so, dass wir ...

... alle täglich über Leichen gehen und uns gar nichts dabei denken? 
Nach Liebe und Leben lechzend und sich dabei selbst verbrauchend quasseln und singen sich Karina und Zarah Chi Chi dem Untergang entgegen… Doch: „Ich fürchte mich nicht vor dem Tod“, sagt die eine, „im Gegenteil, ich freue mich auf ein luxuriöses Leben im Paradies.“
Der Regisseur Damian Popp inszeniert zum ersten Mal am Schlosstheater und wird sich zusammen mit dem Musiker Jonas Schilling und dem Ensemble diesem lustvollen Text des Kultautors Rosa von Praunheim stellen.

So eine Uraufführung erlebt man nicht alle Tage: Das Schlosstheater Moers lässt gnadenlos die sprichwörtliche Sau raus. Damian Popp hat bei seinem Moerser Regie-Debüt diesen mitreißenden, herrlich intelligenten Riesenblödsinn kongenialisch und lustvoll in Szene gesetzt. Der ungeheure Reiz von Praunheims scheinbarem Nonsens-Stück voller Nicht-Handlung, das von einem Diskurstext oder einem dramatisierten Manifest gar nicht weiter entfernt sein könnte, liegt im konsequent überspielten Subtext. Unter der blutig-fröhlichen Oberfläche lassen sich dann ernsthafte Themen ausmachen, wie das Verhältnis Mensch-Tier, die Arbeitsverhältnisse im Schlachthof oder die Abhängigkeit von der Politik der Supermärkte und Discounter. Und natürlich geht es um die ewige Sehnsucht des Menschen nach Liebe, Glück, Geborgenheit. 
(Wolfgang Platzeck, WAZ)

Kalauer und Nonsens gehen unvermittelt über in ernsthafte Reflexionen über Liebe und die Schuld, die das Verarbeiten von Tieren zu Wurst mit sich bringt, weichen dann aber sofort wieder wilden Albernheiten. Diesen dauernden Stimmungswechseln begegnet Damian Popp mit einer Geschwindigkeit, die das Absurde absurd selbstverständlich erscheinen lässt, und mit einer ansteckenden Lust an Spiel und Spielereien. Ganz am Ende des Stücks, Frau Müller (Roman Mucha) ist zum zweiten Mal in den Orkus gefahren, singen Matthias Heße und Emily Klinge im Duett: „Die Schönheit des Lebens / Ist nicht zu ertragen.“ Und eben dieser unerträglichen Schönheit erweisen Rosa von Praunheim, Damian Popp und das Ensemble mit einer ungeheuren spielerischen Leichtigkeit und der Anarchie eines geradezu magischen Widerstandsgeistes ihre Reverenz. 
(Sascha Westphal, nachtkritik)

Eine radikale Idee. Eine Idee, die Widerstand und Kopfschütteln auslöst. Eine Idee die nicht zu Kriegen, Krisen und Pandemien passt, aber die in der Lage ist, unser Menschen- und Weltbild zu revolutionieren: Die Idee, dass die meisten Menschen „im Grunde gut“ sind und sich nach Kooperation und Zusammenhalt sehnen. Inspiriert von Rutger Bregmans Buch „Im Grunde gut“ setzt sich das Tochter-Vater Duo, das sich aus der Schauspielerin und Sängerin Emily Klinge und dem Musiker Bernd Thiele zusammensetzt, mit dieser Idee auseinander. Und was wäre dafür besser geeignet als Musik, die direkt ins Herz zielt? Mit Covern und Bearbeitungen von u.a. Einstürzende Neubauten, Louis Armstrong, Swans, Jack Johnson, Florence and the Machine, Brian Eno, Youn Sun Nah und Funny van Dannen sowie eigenen Stücken gehen die beiden ans Werk. Bernd Thiele spielt Keyboard, Gitarre, Bassklarinette und TamTam und holt mit elektronischen Sounds eine ganze Band auf die Bühne. Emily Klinge, Schauspielerin am Schlosstheater Moers und dort bekannt für Ihre brillante Stimme, singt, performt und leitet durch den Abend.

Unter dem Motto „Sein oder gut sein“ warfen die Schauspielerin Emily Klinge, En- semblemitglied am Moerser Schlosstheater, und ihr Vater, der Musiker Bernd Thiele, einen Blick auf die Natur des Menschen. Angesichts des menschenverachtenden Krieges in der Ukraine, des gewaltsamen Vorgehens der politischen Machthaber im Iran oder der weiterhin bedrückenden Situation in Afghanistan, Syrien oder Libyen fällt der positive Blick auf die menschliche Natur zunächst überaus schwer. Insofern verwunderte es nicht, dass der berühmte Ausspruch „Der Mensch ist ein Wolf für den Menschen“, […] bereits zu Beginn der Veranstaltung genannt wurde. Dieses Bild vom „homo homini lupus“ versuchten Emily Klinge und Bernd Thiele, im Laufe der anschließenden Revue zu relativieren und zu brechen. […] Mit Liedbearbeitungen von Louis Armstrong, Jack Johnson, Brian Eno, Florence and The Machine oder Herbert Grönemeyer sowie eigenen Kompositionen sang Emily Klinge gegen Konflikte, Klimawandel, Umweltzerstörung und Pandemie an und bot dem Publikum die Möglichkeit, […] bewusst zu entschleunigen und sich an die positiven Dinge zu erinnern, zu denen der Mensch ebenfalls fähig ist. 
(Jan Caspers, Rheinische Post)

Märchen sind oft die ersten Geschichten, die wir hören. Sie sind voller Magie – und voller Klischees. Sie teilen auf in Hell und Dunkel, Gut und Schlecht, sie prägen unsere Vorstellung von der Welt und unsere Rollenbilder. Wie sollen sich Jungen verhalten, wie Mädchen? Und wie steht es mit Hexen und Prinzen?
Im Märchen „Rapunzel“ der Brüder Grimm wird ein Kind gegen ein paar Portionen Feldsalat eingetauscht. Ihm wachsen später die Haare so lang, dass für den Zopf eigens ein hoher Turm gebaut werden muss. Oder war der Turm zuerst da und dann kam Rapunzel? Das weiß niemand mehr so genau. Gewiss ist aber: Die Welt ist voller Gefahren und der Turm der sicherste Ort im ganzen Land. Doch ist Sicherheit das, wonach sich Rapunzel sehnt? Die Welt draußen ist doch viel spannender? Sie will raus aus der einsamen Festung. Muss sie dafür von einem Prinzen erlöst werden? Das ist eine gute Frage, die sich die resolute Heldin stellt, während sie einer bösen Hexe entkommt, haarsträubende Abenteuer besteht und Feldsalatfeenfähigkeiten lernt.

Der Autor, Musiker, Regisseur und Schauspieler Thorsten Bihegue stellt seiner Fasssung von „Rapunzel“ veraltete Ansichten und Vorurteile genüsslich auf den Kopf. Für sein Theaterstück „Nervt!“, eine Ko-Produktion mit dem Jungen Schauspielhaus Bochum, erhielt er 2022 den „Kaas & Kappes“-Autor*innenpreis.

Das Märchen verträgt es, ins 21. Jahrhundert katapultiert zu werden, wo sich der Tauschhandel „Feldsalat gegen Kind“ zu neuen Höhen aufschwingt. Zu beobachten ist, wie gerade die Erwachsenen während der Vorstellung sich von althergebrachten Rapunzel-Inhalten lösen und begeistert applaudieren. Schauspieler Georg Grohmann und Roman Mucha haben es in der Hand, mit toller Mimik und Gestik das Publikum zu begeistern und Teil vom Spiel werden zu lassen. Als Rapunzel und Feldsalatfee mit ungeahnten Fähigkeiten laufen sie durch den Saal, sorgen für Turbulenzen und Dynamik. Mittendrin hören sie mit dem Spiel auf, lassen Stille regieren, die man als Publikum aushalten muss. Die Lacher haben sie auf ihrer Seite, denn Theaterregisseur Thorsten Bihegue räumt bei dem Stück „Rapunzel“ mit den tradierten Rollen und Bildern im Grimmschen Märchen auf.
(Rheinische Post)

Beginn des Goldrauschs in Alaska. Buck fristet sein Leben als Schlitten- und Lastentier. Zwischen Ehrgeiz, zum Leithund aufzusteigen, Erschöpfungszuständen und Todeskämpfen im ewigen Eis pendelnd, mutiert er langsam aber sicher zum Raubtier, das keine Skrupel mehr kennt – weder sich selbst noch anderen gegenüber. Jack Londons Abenteuerroman „Ruf der Wildnis“ ist ähnlich bekannt wie „Huckleberry Finn“ und „Tom Sawyer“. Soeren Voima hat „Ruf der Wildnis“ für die Bühne adaptiert und damit einen ebenso poetischen wie brutalen Text abseits von Abenteuerromantik und Naturverklärung darüber geschrieben, was mit dem Einzelnen passiert, wenn er zum Kampf ums Überleben gezwungen ist. Eine Fallstudie des Menschen im Raubtierkapitalismus, ein Zeugnis einer ungewollt in Gang gesetzten und kaum zu stoppenden Metamorphose. Oder auch: Die Beschreibung der Sehnsucht der Erschöpften nach dem Schlaf, anstelle des Kampfes…